Léger, brillant et bluesy – Le club des auditeurs

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D’un coup de fouet, le Concerto pour piano en sol majeur de Maurice Ravel prend vie. Soudain, une machine magiquement complexe est propulsée en mouvement. Avec le piano solo dans son registre scintillant le plus élevé, une marche de soldat de plomb dans le piccolo, de délicates pizzicati et harmoniques de cordes et le vrombissement presque imperceptible de la caisse claire, nous sommes transportés dans un monde enchanteur d’innocence et d’imagination. Dans ces mesures d’ouverture étincelantes, nous nous rappelons la caractérisation de Ravel par Stravinsky comme « le plus parfait des horlogers suisses ».

Ravel a conçu cette musique dans l’esprit de Mozart et de Saint-Saëns et l’a qualifiée de « concerto au sens le plus vrai du terme ». Il a continué,

La musique d’un concerto doit, à mon avis, être légère et brillante, et ne viser ni la profondeur ni les effets dramatiques. On a dit de certains classiques que leurs concertos n’étaient pas écrits « pour » mais « contre » le piano. Je suis tout à fait d’accord. J’avais eu l’intention d’intituler ce concerto « Divertissement ». Puis il m’est venu à l’esprit qu’il n’y avait pas lieu de le faire car le titre « Concerto » devait être suffisamment clair.

Si le thème initial du premier mouvement (Allegramente) suggère la musique folklorique du pays basque où Ravel est né, les thèmes suivants prennent une tournure sensuelle vers le blues. Le influence de la Rhapsody in Blue (1924) et du Concerto pour piano en fa majeur (1925) de George Gershwin est évident. Ravel a commencé à écrire le Concerto en sol majeur en 1929, après sa tournée de quatre mois dans 20 villes d’Amérique du Nord. De passage à New York, « Ravel passé plusieurs nuits avec Gershwin, écoutant du jazz au Savoy Ballroom à Harlem, où les danseurs ont joué du Lindy Hop sur du jazz chaud de certains des plus grands groupes du pays », et « ont visité Connie’s Inn et le Cotton Club voisin, où il a entendu Duke Ellington et son orchestre ». (Louise Burton).

Le premier mouvement ouvre la porte à un éventail de voix instrumentales jazzy et conversantes, dont la clarinette, le basson, la trompette et le trombone. Il habite un monde de couleurs vives et sensuelles. Bref, le cor solo s’engage dans des errances polytonales. Dans un passage, la harpe peint un paysage de rêve mystérieux et exotique. Un instant plus tard, avec des trilles rapides, le piano solo atteint l’effet apparemment impossible d’un vibrato chatoyant.

Le deuxième mouvement (Adagio assaï) habite un monde lointain à la fois rêveur, serein et lamentable. Ça commence par le piano solo, seul. Une mélodie infiniment expansive évoque l’intemporalité engourdie de Satie Gymnopédies. C’est une valse hypnotique qui mêle les mètres de temps 3/4 et 3/8. Ravel a affirmé avoir travaillé « une mesure à la fois » sur cette musique d’une simplicité sublime. Au fil de cette déclaration intime, nous pourrions oublier un instant que nous entendons un concerto pour piano. Puis, l’orchestre entre, et la musique est baignée dans une nouvelle dimension de couleur. Peu à peu, presque imperceptiblement, la tension monte. Un moment de hantise dissonance se dissout dans un duo entre le piano et le cor anglais. Tandis que cette nouvelle voix pastorale reprend la longue mélodie, le piano accompagne de lignes flottantes et éphémères d’embellissement. Juste au moment où l’on pense que la mélodie va enfin trouver sa résolution, une cadence trompeuse ouvre une nouvelle porte magique (8:13).

Le chef d’orchestre Edward Downes a déclaré que le bref mouvement final (Presto) « vole à une vitesse supersonique telle qu’il semble se terminer avant d’avoir commencé. » Le flûtiste et compositeur français Louis Fleury a décrit cette vie sauvage et palpitante moto perpétuelle comme « un assaut imparable, stimulé par les cris de la clarinette et du piccolo, l’âne braie du trombone et une fanfare occasionnelle s’épanouit dans les cuivres ».

JE. Allegramente:

II. Adagio assaï:

III. Presto:

Cinq grands enregistrements

Image vedette : « Paysage basque » (1914), Leon Kroll

À propos de Timothy Judd

Originaire du nord de l’État de New York, Timothy Judd est membre de la section de violon de l’Orchestre symphonique de Richmond depuis 2001. Il est diplômé de l’Eastman School of Music où il a obtenu les diplômes Bachelor of Music et Master of Music, étudiant avec des musiciens ukrainiens de renommée mondiale. -Le violoniste américain Oleh Krysa.

Fils d’enseignants de musique dans une école publique, Timothy Judd a commencé des cours de violon à l’âge de quatre ans par le biais de la division de l’éducation communautaire d’Eastman. Il a été l’élève d’Anastasia Jempelis, l’une des premières championnes de la méthode Suzuki aux États-Unis.

Enseignant passionné, M. Judd a maintenu un studio de violon privé dans la région de Richmond depuis 2002 et a été actif comme entraîneur de musique de chambre et de nombreuses sections d’orchestres de jeunes.

Pendant son temps libre, Timothy Judd aime s’entraîner avec le populaire programme d’entraînement physique SEAL Team de Richmond.



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